於古代壁畫中汲養分為當代重彩開「新顏」

於古代壁畫中汲養分
為當代重彩開「新顏」

林順文 《花林》

林順文 臨摹永樂宮三清殿的《朝元圖》壁畫

林順文 臨摹永樂宮三清殿的《朝元圖》局部 泥板

敦煌莫高窟、山西永樂宮、北京法海寺……在中國美術史尤其是壁畫史上,這都是如雷貫耳的地方。而近幾年來,清華大學美術學院中國重彩畫高研班導師、廣州大學美術學院教授林順文,帶領工作室的學生遍臨古代壁畫名作,從中汲取營養,為當代重彩畫創作探新路、開「新顏」。近期,「當代重彩寫輝煌——古代壁畫研究課題成果展」在廣東省立中山圖書館舉行。無論是林順文結合古琴譜創作的《意臨敦煌莫高窟千手觀音》,還是學生們臨摹的飛天、仙鳥,抑或是他們寫生而得的重彩山水畫作品……其高古而又當代的「丹青」格調,吸引了大批觀眾的註目。接下來,展覽還將移師北京清華大學、東莞嶺南美術館舉行。

文、圖/廣州日報全媒體記者 江粵軍

繪畫顏料分等級 優者歷千年不壞

林順進入壁畫研究領域,源自2012年他到中央美院跟隨中國美協中國重彩研究會會長蔣采蘋老師學習。期間,他開始邁出了臨摹壁畫的步子,並意識到要更深入地了解中國傳統的色彩學,必須系統地臨摹全國各地的壁畫。從那時起,他就成立了一個小的工作室,通過壁畫臨摹來研究礦物質顏料的特性。

「通常人們會聽到‘巖彩畫’的提法,這種提法來自於日本。但日本的顏料、畫法其實是從中國傳去的。所以蔣采蘋老師認為我們應該有自己的叫法,最直接的就是‘礦物質顏料’。礦物質顏料和化學顏料相比,有如翡翠的A貨和B貨,化學顏料像B貨一樣,顏色是會慢慢脫落的,而礦物質顏料放一兩千年都不會壞,而且越是融入歲月的光輝就越有味道。其實西方早期的油畫作品,用的也都是礦物質顏料。因為全世界的繪畫一開始都是就地取材的。像敦煌的壁畫,便是用當地的泥、礦、土完成的。敦煌的泥本身就有黏性,可以直接用來批牆,顏料則是從後山上找到礦石來研磨、燒煮的。」

談起壁畫臨摹,林順文首先辨析了礦物質顏料和化學顏料的差別,並表示今天不少年輕藝術家在材料上已日益回歸傳統,這是可喜可賀的事。而且,隨著技術的進步,今天的礦物質顏料,其豐富性是過去不可同日而語的。「譬如一個朱砂色,按深淺和顆粒的粗細不同就可以分為十幾種。最初級的顏料,色彩很重、顆粒很粗,可以用於打底;頂級的朱膘,則特別純,特別美。」

很多人覺得林順文的畫面上顏色非常豐富,又比較純淨,就是因為他漸漸吃透了古人用色的竅門,乃至悟出在泥板上作畫的優點。

本次展出的一張臨摹永樂宮三清殿《朝元圖》王母娘娘頭像作品,便是林順文將壁畫形態直接搬到了架上,用的還是山西當地的泥,可謂「生化壁畫」。「作品是泥板的,很重,但由於很有代表性,已經坐多次飛機參加過多個展覽了,大家都特別喜歡。因為在泥板上畫,無論上多少層顏色,始終能夠被‘吃’進去,越畫越厚重,色彩看起來比紙面的要深沉許多,而且再鮮亮的顏色,一上去就能被化解掉,一點煙火氣都沒有。」

無論創臨或創作

學習古人為今人

林順文的工作室裡,還掛著一張未完成的敦煌動物集合畫,就像一個高古的動物世界,每一個小部分截取下來,也是能獨立成畫的。「我在廣美讀研時,陳新華老師是這樣教導我的:‘一張作品要畫到讓人永遠看不完,才是好畫。’我始終謹記在心。」

林順文記住的,還有林豐俗老師曾經的教誨——要通過古人來啟發當下。「林老師生前每年都會買一兩張仿古畫,掛在他的畫室裡。我問他為什麼?他說畫累了抬頭看一看,往往能得到啟發。古人給我們留下了太多的寶貝了,從中汲取營養,融入當代的思想感情和表現手法,才能形成自己的風格。」工作室入門處,還掛著林順文的一些花鳥、山水畫小品。譬如他到肇慶寫生的古榕樹,寫意而斑斕,抽象而生動。他表示,如果沒臨過壁畫,肯定畫不出這種感覺。

在臨摹上,林順文也常常跟學生們強調不能死臨,要創臨。像他自己的《意臨敦煌莫高窟千手觀音》,人物造型、構圖、線條,跟敦煌原作是一樣的。但在色彩和作品的藝術思想上,則別出心裁。他將整首宋代的古琴譜譜符抄錄在畫作的留白處,似字非字的抽象譜符,與人物造型形成了映照,既增強了整體感,也顯得很當代。說起創作靈感,林順文表示,他自己閒來喜歡彈彈古琴,那天老師找到了這條宋代琴譜,他腦海裡的記憶就被激活了:「我在山西臨摹寫生時,遇到一位素昧平生的畫友,他也愛彈琴,在一張寫生作品上,他隨手抄過幾個譜符,我當時就覺得挺有意思的。於是將這個‘無心之舉’拿來用了,發現竟是相得益彰。這件作品的底稿,其實也放了兩三年,紙都變黃了。當時臨了一半,感覺有點俗氣,就把顏色洗掉後束之高閣了。」這次舉辦展覽前,林順文去中山圖書館看場地,有一個位置讓他忽然想起了這件底稿,才有了這「神來之作」。

「所以,對待藝術創作,我們要更多點耐心。」林順文笑道。

正面背面皆上色 動輒幾百上千遍

與這張作品同時臨摹的,還有永樂宮裡的《呂洞賓與鐘漢離》。相比起來,這張是更難的,同行的畫家中只有林順文對此發起了挑戰。

「我們參加的是2015年前後的國家藝術基金壁畫人才培養計劃。當時在全國挑選了50位畫家到山西考察臨摹壁畫。我因為在中央美院進修時創作了兩件重彩作品參加了畢業展,由此獲邀加入這一活動,到山西考察一年左右。在永樂宮還臨了一張紙本的三清殿《朝元圖》,但那張只用了一個多月,而《呂洞賓與鐘漢離》用了五六個月時間。」

如果不仔細看,會覺得《呂洞賓與鐘漢離》前面就兩個人物,背景是一棵松樹,挺簡單的。事實上,人物的線條流暢又富有彈性,要臨出神采來便不容易了;要在紙本上做出既沉實又斑斕的壁畫層次肌理就更難了。為了達到效果,單是底色,林順文就反復上了幾百遍。

而底色,正是林順文臨摹壁畫後收獲的一個關鍵詞。

大多數國畫作品,底稿就是一張白紙,而林順文現在的畫作,底稿本身就是一張「作品」了。在他的工作室裡,架子上鋪開了一張背面剛剛上過幾十遍顏色的宣紙,看起來比一般的抽象畫還要生動。林順文笑著表示,如果是搞當代藝術,這個直接可以拿去參展了。而按他的步驟,則是正面創作完成並托裱後,這些底色會現出五光十色的效果。「那才像天空真正的顏色。」

工作室的牆上還掛著一張尚未完工的一丈多長山水畫大作,畫的是西北的古長城。林順文指著很黑的山體說,他在背後已經鋪了好幾層赭石色,這樣作品托裱後,這些山體就顯得透亮,而不是死沉沉的一團黑;正面很黃很亮的地方,則會在背面塗上綠色等冷色調,壓住其「火氣」;那些白色的蛤粉,林順文也要洗掉,只留下一點淡淡的痕跡就好。

由於一張作品背面和正面加起來,顏色要上五百遍以上,所以對紙的要求是很高的,只有好的皮紙、宣紙才經得起「折騰」——上完色以後洗,洗完又上……就這麼反反復復直至出現無法言說的效果。

何謂工匠精神?這便是極好的註解吧。